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Cine

Celebra el mes del amor y la amistad con las mejores películas

The Killing of a Sacred Deer

Esta película esconde un profundo diagnóstico de nuestra sociedad y es llevado al extremo a través del aniquilamiento de todo sentimentalismo y haciendo cada vez más evidente el plano espectatorial y voyeurístico en el que el publico se sumerge.

El cine del director griego Yorgos Lanthimos es todo, menos cómodo. Este, su último film, habla sobre el mito de Ifigenia pero llevado al extremo en unas prácticas de sus personajes que a menudo se ven confundidas por el mesianismo y la figura del redentor que fue Jesucristo.

Por otra parte, la primera imagen de  la cinta muestra un corazón palpitante en mitad de una operación quirúrgica, bombeando frenéticamente en primerísimo primer plano. Puede que tal inicio sea un derroche de ironía por parte del director puesto que durante sus dos horas restantes, la película demostrará ser más bien desalmada y falta de corazón.

Un aterrador melodrama que contempla el mundo de los humanos con el tipo de mirada extraña propia de los mitos, en el que una familia aparentemente perfecta topa con una aberrante fuerza de la oscuridad. En concreto, es la historia de un carismático cirujano (Colin Farrell) y de su mujer (Nicole Kidman), en última instancia obligado a tomar decisiones horripilantes una vez que el adolescente con el que se ve a menudo —por motivos inicialmente misteriosos— se revela como un agente del caos.

A lo largo de su carrera, este director ha demostrado sentirse intrigado por el poder de  aquello que nos resulta anómalo e impenetrable, y por la intensa sensación de amenaza que genera. Por lo tanto, revelar más sobre su historia sería frustrar el impacto que descubrirlo frente a la pantalla provoca.

Para darle más fuerza a la película, Lanthimos imita el estilo de El resplandor, tanto en las imágenes como en el sonido, buscando la tensión constante con música y ruidos ominosos.

La película puede interpretarse como una crítica a la crueldad de la justicia que predican las sagradas escrituras o como una reflexión sobre los límites del amor o sobre la impotencia de la razón frente a lo desconocido o sobre el peso de la culpa o las terribles consecuencias que jugar a ser Dios acarrea.

The Killing of a Sacred Deer inaugura un estilo de terror que realmente horroriza a lo más profundo de nuestra psique.

I, Tonya

Una tragicomedia dirigida por Craig Gillespie basada en hechos reales sobre la accidentada vida de la patinadora Tonya Harding, a quién da vida Margot Robbie. La actriz se mete en la piel de la polémica excampeona estadounidense de patinaje sobre hielo.

Harding alcanzó la fama al lograr ser la segunda en la historia en lograr un triple axel en competición. Lamentablemente, también fue protagonista de un célebre incidente que sucedió en 1994. Su principal rival, Nancy Kerrigan, fué atacada por un matón a sueldo, que intentó romper sus piernas con un bastón telescópico con la intención de que no le hiciera sombra a Tanya en los campeonatos nacionales USA. Pronto se descubrió que el ataque lo había organzado Tanya con la ayuda de su ex marido. La pareja fué procesada y condenada por el ataque. Este evento supuso el fin de la carrera de Harding.

Tonya Harding sufrió malos tratos físicos por parte de su madre, LaVona Golden. Golden llamaba a su hija “fea, gorda y fracasada” mientras que su entrenadora miraba para otro lado ante los maltratos.

Harding patinaba con las agallas de una atleta y no con la delicadeza que se presupone a las princesas del hielo. Sus facciones fuertes, su flequillo despeinado y sus trajes confeccionados por ella misma impidieron que consiguiera acuerdos publicitarios. Trás conseguir ser la primera mujer americana en ejecutar un triple axel (un salto con un giro de tres revoluciones y media, 1260º, considerado el más difícil), no pudieron negarle el título nacional de la mejor patinadora de Estados Unidos.

Pero entonces, llegó Nancy Kerrigan. Y ella sí parecía una princesa.

Nancy Kerrigan era grácil y esbelta. Vestía de Vera Wang y era imagen de corporaciones tan americanas como Revlon, sopas Campbell o Reebok. La rivalidad entre ambas era demasiado perfecta para ser real: la mujer uberfemenina y la mujer masculina, el cisne y el patito feo, o como la propia Harding describió en 2014, “Nancy era una princesa, y yo era un montón de mierda”

La cinta no se trata de un biopic convencional, ya que el tono de comedia negra, la narración como un falso documental y la rotura de la cuarta pared predominan. Todo ello para centrarse en el incidente.

I, Tonya competirá en tres de las categorías principales de los Globos de Oro: Mejor película de comedia o musical, Mejor Actriz de comedia o musical (Margot Robbie) y Mejor actriz de reparto (Allison Janney). La película tuvo una gran acogida entre crítica y público en el pasado Festival Internacional de Cine de Toronto y es uno de los títulos importantes a ganar en los premios Óscar.

Ahora es el turno de que Hollywood recree el melodrama. Una pequeña victoria de Tonya Harding, la película que todo el mundo quiere ver es la suya, no la de Nancy Kerrigan.

The Phantom Thread

Situada en el mundo de la moda en en Londres de la posguerra, The Phantom Thread volverá a juntar en un mismo espacio ficcional al aclamado director Paul Thomas Anderson con el actor Daniel Day-Lewis, después de ser ovacionados por ambos desempeños en Petróleo sangriento, película en que el imponente intérprete británico ganó su último Oscar como mejor actor.

En la cinta, el actor de 60 años nacido en Londres interpreta a Reynolds Woodcock, un renombrado diseñador de alta costura de la aristocracia británica y la familia real,  quien comienza a tener una complicada relación sentimiental con Alma (Vicky Krieps), quien se convierte en su amante y su musa, pero este cruce con su vida cuidadosamente controlada y planificada comienza a perturbar las emociones del costurero.

Paul Thomas Anderson pinta un retrato iluminador de un artista en un viaje creativo, y las mujeres que mantienen su mundo en funcionamiento“, han dicho los productores del film.

Esta película será sin duda una de las mejores producciones fílmicas de esta temporada para sumar a la plataforma de los próximos premios de la Academia, al menos para tomar en consideración para las categorías de mejor actor, mejor dirección y quizás mejor película.

De ganar, sería el cuarto Oscar para Day Lewis después de los logros interpretativos en Mi pie izquierdo (1989), el Petróleo sangriento (2007) y Lincoln (2012).  Del otro lado de las cámaras tenemos al enorme realizador Paul Thomas Anderson quien nunca ha ganado un Oscar, a pesar de haber tenido numerosas nominaciones durante su trayectoria artística.

Cabe mencionar que la música del film está compuesta por el integrante de la banda de rock  Radiohead, Jonny Greenwood, siendo esta su cuarta colaboración con el director. Una buena propuesta para los amantes del cine romántico.

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Three Billboards Outside Ebbing Missouri es un drama de humor negro del ganador del Premio de la Academia, Martin McDonagh. Después de que han pasado meses sin que haya un culpable en el caso del asesinato de su hija, Mildred Hayes (Frances McDormand) comete un acto osado, al mandar a poner tres anuncios, que conducen a su pueblo, con un mensaje controversial dirigido a William Willoughby (Woody Harrelson), venerado jefe de policía del lugar. Cuando el oficial Dixon (Sam Rockwell), su mano derecha, un hijo de mami inmaduro con una propensión hacia la violencia, se involucra, la batalla entre Mildred y el cuerpo policial del pueblo de Ebbing, sólo se agrava.

La película es la tercera de McDonagh, dramaturgo, guionista y director irlandés, conocido por el exitoso thriller In Bruges, nominado en su momento al Oscar y ganador del BAFTA a mejor guión, y Seven Psychopaths.

El filme lleva a Frances McDormand a canalizar una variante femenina moderna del clásico héroe de westerns, y con ello brindar una actuación al más puro estilo de los enfrentamientos. Mildred, representa la primera ocasión que McDonagh ha escrito un papel protagónico femenino para una cinta, y es quizás su personaje más implacable: una madre agraviada sin remordimiento que pone a prueba la mismísima estructura de su pueblo.

Quizás el reto más grande para el director fue balancear el humor negro de la historia con la misión de Mildred, que es incentivada por la emoción. Confió en que el humor, negro y mordaz, iba a estar ahí, incluso mientras les permitía a sus personajes vacilar ante la angustia por perder a alguien, la injusticia y la resistencia al cambio.

El largometraje es, dice McDonagh, el más trágico que ha escrito hasta ahora, pero también es una búsqueda por la esperanza. “El punto de partida es bastante triste, pero hay mucha comedia, y espero que también sea conmovedor en ciertas partes”, reflexiona. “Supongo que es así como veo la vida. Veo la tristeza en ciertos aspectos, pero mi tendencia es siempre intentar moderar eso con el lado bueno —con humor, por negro que sea— y con la lucha contra la desesperanza”.

Aunque Ebbing es un lugar ficticio, Martin McDonagh le infunde un sentido de ubicación profundo —un sitio que ofrece los encantos, pero también la claustrofobia de un pueblo rural donde todos saben todo de todos. Ebbing es pues, un pueblo inexistente en las montañas Ozark, que tiene una personalidad confusa al aparecer inalterable, pero que linda con un mundo moderno.

Esta cinta es una de las favoritas a ganar varias estatuillas de los premios de la Academia. Las actuaciones son magistrales y la historia, una demasiado familiar en los tiempos que vivimos. Una película sin grandes pretensiones pero que logra capturar al espectador completamente en el drama y en la semejanza tan estrecha que tiene con la realidad. Cine de gran calidad. Imperdible.

La mélodie

 

La película relata la vida de Simon, un violinista que se encuentra en un momento delicado de su carrera y de su vida, quien empieza a dar clase de sexto año en un colegio de París. Sus métodos de enseñanza rígidos hacen que tenga un comienzo difícil y no facilitan su relación con los alumnos. Entre ellos está Arnold, un niño muy tímido pero apasionado y muy bueno con el violín. Poco a poco comprenderá que la educación es una herramienta más poderosa de lo que él mismo cree.

Su director Rachid Hami, nacido en Argelia y de nacionalidad francesa, se dio a conocer en la pantalla grande como actor de las películas L’esquive (2003), de Abdellatif Kechiche, y Pour l’amour de dieu (2011), de Ahmed Bouchaala. Con este filme, Hami desea enviar un mensaje. En sus propias palabras: “Hay (en la cinta) un mensaje político: ¿cómo luchamos para que la cultura y la música pueda llegar principalmente a quienes más lo necesitan en el arte? Para mí el cine acerca a las personas y permite mayores intercambios. También hablo de inmigración, la sociedad europea es multicultural en este momento. Europa se compone de muchos países y tiene además una historia fuerte de colonización. Tenemos mucha inmigración por distintas razones, así que la pregunta es cómo construir un mundo más mixto.”

Good Time

La historia sigue a Constantine “Connie” Nikas (Robert Pattinson) quien junto a su hermano menor Nick (Ben Safdie) asaltan un banco en la ciudad pero a pesar de lograrlo con éxito, poco después la policía los detiene en la calle. Su hermano entra en pánico y huye, resultando en su arresto mientras Connie queda libre. Con el fin de sacar de la prisión Nick, el hermano mayor se embarcará en una torcida y peligrosa aventura a través del inframundo de la ciudad en una carrera contra reloj para salvar a su hermano y a si mismo.

La cinta fue nominada a la palma de oro en Cannes y según los críticos de cine, este podría ser el papel más importante de la carrera de Pattinson, ya que su actuación es tan sólida y emocionante, que logra introducir matices sociales y psicológicos en lo que resulta ser un thriller intenso.

El trabajo de los hermanos Safdie se inscribe en la tradición del cine independiente norteamericano que nace en Nueva York. En sus trabajos siempre presentan personajes marginales con cierta tendencia al desastre, personas al límite, incapaces de poner orden en sus vidas, que se mueven por la Nueva York menos conocido.

In the Fade (Aus dem Nichts)

La película arranca con la boda, en la cárcel, entre un hombre de origen kurdo, Nuri (Numan Acar), ex traficante de drogas, y una mujer alemana, Katja (Diane Kruger), y sigue, muchos años después, cuando el hombre ya está libre, la pareja está casada y tienen un hijo. Pero cuando todo parece funcionar en sus vidas, una bomba explota frente al negocio de Nuri, quien en ese momento estaba con su hijo, y ambos mueren. Katja queda devastada: vuelve a las drogas que había dejado años atrás, se pelea con su familia y se deprime profundamente.

El realizador alemán de origen turco Fatih Akin se suma al grupo de cineastas que intentan de una u otra manera, reflejar la complicada realidad sociopolítica en Europa a partir de situaciones de odio y violencia.

En rueda de prensa, Diane Kruger, quien ganó el premio a mejor actriz en Cannes por su actuación en esta película, afirmó que la interpretación casi la mata, pues encarna a un durísimo personaje que le permitió hacer el mejor papel de su carrera y que, aseguró, le cambió la vida.

Music of Silence (La musica del silenzio)

Basada en la novela autobiográfica, la cinta narra la adolescencia y los años de aprendizaje de Andrea Bocelli, músico bendecido con una voz estupenda pero que sufrió una enfermedad antes de cumplir los 12 años. Bocelli se quedó ciego debido a un glaucoma que se volvió total en un accidente jugando al fútbol. A partir de esto, luchó por aprender a leer música en Braille y compitió en espectáculos de talento hasta que su potencial fue reconocido por Luciano Pavarotti, quien declaró que no había voz más fina que la de él.

El filme explora la relación entre ceguera y oído, así como de los otros sentidos aumentados por la pérdida de la vista. Para esta película el cantante sólo ha pedido que su ceguera no sea retratada como una discapacidad.

El actor español Antonio Banderás participa con su actuación y el reparto se completa con Toby Sebastian (Juego de tronos) y el también español Jordi Molla. Su director, Michael Radford es conocido por sus películas Il postino y The Merchant of Venice.

The Jungle Bunch (Les As de la Jungle)

La historia se centra en los locos de la jungla, un grupo de animales que llevan justicia y esperanza a la selva y que siempre están listos para la acción. El líder de ellos es Maurice, un  pingüino emperador que viajó desde la Antártida al ecuador creyendo que en realidad es un tigre que pertenece a ese lugar. En esta nueva aventura, este equipo de héroes se enfrentará a Igor, un temible koala que tiene como objetivo el destruir la selva con la ayuda de un ejército de monos. Igor es demasiado fuerte, por lo que los locos de la jungla tendrán que unirse a la mamá de Maurice (una tigresa), quien fuera la heroína del lugar antes que él.

Esta es una película francesa de animación con gráficos generados por computadora basada en la serie del mismo nombre del género de aventuras familiar.

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Sobre el autor

Vive en una ubicación no revelada y desde ahí trabaja en algunos proyectos
que prefiere mantener en secreto. Escribe para poder sobrevivir el caos y la
nostalgia de su vida diaria. Es maestra en Arte y ahora considera qué tal vez
sea necesario tener otro título para guardarlo en un librero. Le gustan los
perros, ama el cine y la música. Hasta hace poco tiempo entendió que la vida no tiene sentido y desde entonces es muy feliz y vive cada día como si fuera el último. Seguirá escribiendo hasta que las luces se apaguen.

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