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Arte, Cultura

Olivia Steele: Attached to nothing. Connected to everything.

Olivia Steele trabaja ambientes e imágenes basadas en las experiencias personales universales, a veces triviales para algunos, pero para uno, cuál héroe absurdo de Camus, son fundamentales. Lo curioso es que al ver esta obra siempre te encuentras con frases que te hubiera gustado decir en algún momento, que piensas de vez en vez o que reconoces en el catálogo del pasado personal.

Enfrentarte a esta obra siempre es retador, ya que en la limpieza de sus imágenes, en las ocurrencias casuales, uno termina encontrándose en partes, y en la experiencia estética se va perdiendo la noción de lo ajeno, y el espectador se apropia de las escenas.

Utilizando como elemento principal para la composición de sus imágenes, la luz neón, Steele escribe frases que acomoda dentro de visuales tanto simples como extremadamente complejos, en fotografías de momentos o personajes fácilmente reconocibles de la historia, montajes armados para ensamblar escenas ya familiares en la memoria colectiva, o locaciones orgánicas.

Cada pieza está articulada intelectualmente con la finalidad de lograr la identificación del otro.

El trabajo de Olivia empalma imágenes con mensajes, ambos buscando ser provocadores, y logrando mezclar las ideas con la finalidad de impactar el presente. Se podría decir que su trabajo es tanto radical como racionalizado, hasta un punto de inconciencia.

Olivia Steele nació en Nashville, Tenessee, E.U. en 1985. Su obra la muestra obsesionada con las semánticas y semióticas, las formas de comunicación escritas y gráficas, y busca armonías entre la imagen plana y la tridimensionalidad que la luz tiene, adicional el objeto de cristal, el tubo realzado del neón.

Todos los elementos que utiliza los lleva a un plano simbólico, en el que las formas adquieren nuevos significados.

Sus instalaciones son de cualquier tamaño, adecuadas a los espacios y paisajes, enfocadas al discurso.

En su exposición individual Attached To Nothing, Connected To Everything en Maia Contemporary, que inaugurará el 7 de febrero, nos comunica la galería Maia Contemporary que la artista incluye una colección curada muy eclécticamente de clichés, ilusiones y metáforas iluminadas, “Steelismos” como los llama. Empleando el medio ya tradicional en su obra y popular en los ámbitos comerciales, del gas neón, creará una variedad de contrastes opuestos que servirán como una luz guía en el proceso de la auto exploración, combinados con el lado bello del sufrimiento, y la búsqueda eterna de la iluminación, del oro espiritual.

Los conceptos y postulados mostrados reflejarán  una serie de realizaciones personales de la artista, mientras deshace los tejidos y desaprende capas de condicionamientos de una persona norteamericana común, en su desarrollo de vida. En palabras de Steele:

“No hay duda que el futuro de la humanidad es mudarse al plano de la imaginación. Mientras la separación  entre lo imposible y lo posible disminuye, y el velo entre la realidad y la espiritualidad se levanta, ciertas verdades se tornan más evidentes y difíciles de negar. Un aspecto crucial para nuestra evolución como raza humana es reemplazar el miedo a lo desconocido por curiosidad.”

Como lo sugiere el título de la exposición, el concepto de contraste y contradicción son temas comunes a lo largo del trabajo de Steele. Frecuentemente juega con la connotación innata y yuxtaposición de ciertas palabras que eleva a un significado esperado y aun así refrescante.

El apego genera dependencia. La dependencia crea desbalance. El desbalance cría ignorancia y resulta en sufrimiento. La conectividad nutre la liberación. La liberación facilita (¿o refuerza?) La gratificación (¿o realización? ¿Felicidad?) es similar a la alegría pura y la aceptación  de todo lo que es base para la iluminación humana.”

Tan paradójico como pueda parecer, estar apegado a nada y conectado a todo puede ser visto como el estado ultimo del ser y el primer paso a ser espiritualmente sintonizado. Todas las cosas vienen de una fuente, evolucionan en su forma y, eventualmente, regresan a la fuente original. Estar apegado a formas o ideas es una prisión, una experiencia pura del ego, creando la ilusión de la separación para crear auto importancia – cuando de hecho solo somos polvo de estrellas; moléculas sin significado experimentando momentáneamente la forma humana mientras se está viajando a través del tiempo y el espacio.

Mi arte tiene la habilidad única de provocar, juguetonamente, a usar la imaginación para descubrir verdades simples y sabiduría ancestral que frecuentemente pueden iniciar un momento de poderoso impacto. Una búsqueda sinfín de extractos existenciales que estimulan a la mente a entender el yo misterioso que uno es y nuestras misteriosas vidas es el combustible de mis creaciones. Soy adicta  a la curiosidad y a encontrar  un extraordinario y verdadero conocimiento que sea útil para mí y otros. Mi propósito es coleccionar sabiduría, proveerla de luz y compartirla con el mundo.

El arte es una metáfora, y también lo es esta exposición. Como nuestros viajes únicos, esta exhibición está llena de contrastes opuestos, ilusiones brillantes y recordatorios poderosos. Esto es cómo y por qué la imaginación es tan crucial a los procesos de transformación y adaptación, necesarios para evolucionar y trascender. Los invito a reflejarse en losas ilusiones, a cuestionar mis palabras, probar su fe, observar sus reacciones y, lo más importante, hacer luz de este loco recorrido en el que estamos. Que mis manifestaciones creativas los empoderen y amplifiquen sus procesos mientras entramos en una era de luz.”

Esta exposición está completamente centrada en las filosofía y estilo de vida de Olivia, y nos demuestra que, al final, todos somos uno y nos convertimos en uno. Nuestra historia es la misma, contada de diferentes formas.

Mirna Calzada

Sobre el autor

The Boss.

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