fbpx
Arte

¡YA ES HOY! Comex Visual Art Week MX 2017

Arte, tecnología y espacio público son las claves de Visual Art Week, festival interdisciplinario, incluyente y vanguardista que se propone difundir a una nueva generación de artistas audiovisuales nacionales e internacionales.

Creatividad, innovación, apertura, color y luz son los elementos complementarios que terminan por dotar a VAW de una identidad única.

A partir del día de hoy y hasta el 3 de diciembre se realizarán actividades en distintos espacios públicos de la ciudad, dentro de un activo circuito de innovación creativa, con instalaciones interactivas, intervenciones urbanas de video mapping, performances audiovisuales, instalaciones lumínicas, talleres y pláticas.

VAW propone re-imaginar la ciudad, haciendo uso de locaciones relevantes en la memoria histórica e interviniéndolas técnicas y tecnologías más novedosas. En este sentido, el festival actúa como un punto de convergencia entre pasado, presente y futuro, presentando obras que apelan a lo tecnológico, lo onírico y lo espectacular. El festival se propone construir un nuevo tejido urbano-sensorial.

VAW propone un ambiente ideal de interacción entre artistas internacionales, locales y el público general, propiciando el intercambio creativo entre mentes jóvenes que marcarán el paso de lo que será el arte en un futuro cercano.

En la edición Comex Visual Art Week MX 2017 varias de las piezas exhibidas incluyen el uso de las paletas ColorLife Trends 18 de Comex, seleccionadas por un destacado grupo de artistas y profesionales de diversas disciplinas y que dominarán el mundo de la arquitectura y el diseño en el 2018. Los creadores tomaron cómo eje rector para la definición de las tendencias el concepto de identidad que llevan como nombre: Reacción, Inclusión, Explosión y Conexión y nombraron al color verde Locura el color del año 2018, color que destacará especialmente en una de las instalaciones.

En la edición pasada de VAW en México, que se realizó en febrero de 2015, pudieron presenciar el festival 4 millones de personas. En el 2016 VAW tuvo edición en Buenos Aires, Argentina, como parte del prestigioso festival Ciudad Emergente, incluyendo piezas de Canadá, Japón, UK, México y Argentina.

¡No te pierdas estas piezas que seguramente te dejarán con la boca abierta!

 

Palacio de Bellas Artes (Explanada)

The Pool

Jen Lewin (Jen Lewin Studio) (EEUU)

Pieza interactiva de arte lumínico

De 17:30 hs a 23:30 hs

“Cuando tenía 18 años, acampé en Australia en ese lugar plano donde la marea llega a 14 kilómetros. En la noche, cuando la marea bajaba, dejaba charcos de agua hasta donde alcanza la vista. Cuando salió la luna, la luz se reflejó en estos charcos y fue hermoso. Corrimos y jugamos en ellos, golpeados por ese momento en el tiempo que resultó tan mágico. Volví a casa y escribí sobre ello en mi diario, y durante años traté de imaginar una forma para crear algo así. Lo que hice no es como la luna en el agua, pero a partir de allí evolucionó la idea de charcos de luz que podrían ser interactivos.” Así narra Jen Lewin la inspiracion de esta pieza.

The Pool ha sido construida para uso rudo. Es resistente al agua, por lo que la gente la ha utilizado bajo la lluvia y la nieve. En The Pool las personas han caminado, corrido, brincado, patinado; la pieza ha sido transitada en bicicleta y, en un caso, se ha conducido arriba de ella.

Desde su inicio, The Pool ha sido parte de una nueva ola de arte itinerante. Fue construida y diseñada específicamente para ser embalada en cajas y enviada a todo el mundo con mucha facilidad.

Jen Lewin es una escultora de luz e interactividad renombrada internacionalmente con estudio en Boulder, Colorado, Estados Unidos. A lo largo de los últimos 15 años, Lewin ha perfeccionado su medio altamente técnico para fabricar esculturas interactivas de gran escala que combinan luz, sonido y movimiento para alentar la interacción comunitaria.
Desde el sonido responsivo y formas de luz que incorporan danza, a polillas robóticas gigantes que aletean en respuesta al toque humano, el uso que hace Lewin de la tecnología como medio desafía las concepciones populares de las obras de nuevos medios y sus limitaciones. Centrándose en piezas creadas para el uso público, ella piensa más allá de una exposición de arte tradicional para crear una experiencia que aporte vitalidad a los vecindarios, parques y espacios públicos. Orgánicas y electrónicas a la vez, las divertidas esculturas de Jen Lewin dejan a los espectadores encantados y sorprendidos, al tiempo que alientan al deleite a través del compromiso con cada trabajo. En este sentido, los visitantes a las obras de Lewin se vuelven ellos mismos artistas.
Sus obras, técnicamente complejas, han aparecido en eventos como Vivid Sydney, iLight Marina Bay, Signal Fest y Burning Man; bienales de arte en Denver y Gwangju, y exhibiciones personales en Estados Unidos, Portugal y UK. Su trabajo en diseño y multimedia ha aparecido en publicaciones como National Geographic, The Smithsonian, Wired, The New York Times, BBC News y The Straits Times. Lewin fungió como directora creativa para el Ceren Project e Ivee Project en el The Sundance Laboratory for Advanced Computing in Design, también como diseñadora principal para ITN (Saber) en Palo Alto.
Lewin asistió a la Universidad de Nueva York y obtuvo su BA en Diseño Arquitectónico Asistido por Computadora y su MPS en el Programa de Posgrado en Interactividad.

 

Monumento a la Revolución

Flora

Philipp Artus (Ale)

Imagen reactiva / Arte interactivo

De 17:30 hs a 23:30 hs

Flora es una pieza interactiva en la que líneas abstractas crean formas complejas y delicadas que recuerdan a las que podemos encontrar en el universo de las plantas.

El espectador puede controlar interactivamente la animación con un touchpad y así diseñar los patrones que emergen.

La animación en Flora es generada mediante la superposición de ondas sinusoidales que viajan a través de una cadena de líneas. Este principio de onda aparece a menudo en la naturaleza cuando la energía se transmite a través de medios como el agua, aire, o simplemente una soga. También se puede observar en la locomoción de animales y seres humanos, en la que la energía cinética se transmite sucesivamente a través de las articulaciones.

El algoritmo de Flora está basado en el descubrimiento de que un sistema simple de líneas giratorias puede crear interminables variaciones de formas abstractas, que van desde líneas armoniosas y curvas hasta patrones nerviosos y caóticos. La estética resultante combina la precisión computacional con un juego orgánico, y tiende a desencadenar diversas asociaciones en la mente del espectador.

Cada individuo tiene una manera única para controlar las formas. Algunos son cuidadosos, otros imprudentes y salvajes. Otros, muy analíticos, tratan de comprender cada parámetro.

Además, las preferencias estéticas para las formas varían: algunos tienen predilección por formas curvas armónicas, mientras que otros disfrutan más de patrones abstractos vanguardistas.

Así, Flora es como un instrumento visual que refleja la personalidad del jugador, una obra de arte abierta que genera creatividad.

 

Philipp Artus es un cineasta y artista multidisciplinario con base en Berlín, Alemania. Sus animaciones experimentales, instalaciones de luz y dibujos exploran las manifestaciones de la vida a través del movimiento, sonido e imaginación. Philipp compone experiencias audiovisuales que unen elementos lúdicos con estructuras minimalistas, temas atemporales con observaciones contemporáneas, aceleración turbulenta con silencio contemplativo.
Después de graduarse en la École des Beaux Arts en Nantes, Francia, pasó 2 años estudiando animación, física y teoría de la música de manera autodidacta. Luego terminó sus estudios de postgrado en el Academy of Media Arts en Colonia, Alemania.
Sus proyectos han sido expuestos en varios museos, festivales y galerías de todo el mundo, incluyendo la SIGGRAPH Art Gallery en Los Ángeles / EEUU, Prix Ars Electrónica en Linz / Austria, Visual Music Awards en Frankfurt / Alemania (Ganador del primer premio), Setouchi Triennale Megijima Island / Japón, European Media Art Festival en Osnabrück / Alemania, CURTAS en Vila do Conde / Portugal, LUMINALE en Frankfurt / Alemania y el Vimeo Awards en New York City / EEUU.

 

Horizontal Interference

Katarzyna Malejka y Joachim Slugocki (KASJO Studio) (Pol)

Instalación inmersiva / Arte lumínico

De 12 hs a 23:30 hs

Horizontal Interference es una instalación formada por una colorida estructura de cordones de tela que conectan los árboles de un espacio determinado de manera simple. La arquitectura extraordinaria que toma vida por medio de estas telas, que en sí misma es hermosa a la luz del día, muta en la noche a una belleza espectacular.

Por medio de una iluminación sencilla pero ingeniosa todos los elementos naturales y adicionales se fusionan entre sí en toda su simplicidad, creando una imagen poderosa y poética. Incluso el viento ama la interferencia horizontal en la naturaleza creada por Katarzyna Malejka y Joachim Slugocki. Así, surge nuevamente la arquitectura orgánica, en un modo similar al que podemos imaginar que fue como nació en la naturaleza.

 

KASJO Studio es el resultado de la colaboración entre dos jóvenes artistas polacos. Además de su obra colaborativa, Katarzyna Malejka trabaja con nuevos medios, mientras Joachim Slugocki se desarrolla como pintor.
Lo que los conectó fue la fascinación de la luz como medio, lo que tan increíblemente utilizan en sus obras. KASJO Studio habla el lenguaje de la abstracción.
Buscando los paisajes del futuro, los artistas no usan las tecnologías omnipresentes o simulaciones. Sus instalaciones modulares exploran el paisaje urbano agregando la narración de un pintor a sus elementos.
Las intervenciones lumínicas e inmersivas de Katarzyna Malejka y Joachim Slugocki son una propuesta de nueva arquitectura, que a pesar de su cercanía con el mundo material sigue resultando esquiva.

 

Centro Cultural El Rule (Patio)

Shining Triangle

Peak Time Lab (MX)

Pieza interactiva de arte lumínico

De 17:30 hs a 23:30 hs

El triángulo es clave de la geometría. Representa la armonía, la divinidad y la proporción. Habla de pasado, presente y futuro.

En diferentes culturas el triángulo abarca diversos conceptos. Para los budistas es Triratna: Budha, Dharma y Sangha; para los cristianos Dios es uno en tres: Padre, Hijo y Espíritu Santo; en el hinduismo la trinidad se expresa como Brahma, Vishnu y Shiva.

Shining Triangle hace uso de las ideas de atemporalidad y amplitud presentes en el triángulo como símbolo, como un paralelo de lo abstracto, lo impalpable del movimiento de la luz y el color en el espacio. Es una pieza de arquitectura lumínica interactiva que propone que el público se vuelva ente creador, manejando de manera singular un gran abanico de formas, graduaciones de luz y color. Está compuesta por tres estructuras en forma de triángulo entrelazados que pueden ser controlados por las personas mediante touchpads, dando lugar al juego, y posibilitando que cada uno desarrolle su propio campo expresivo.

Peak Time Lab es un estudio que cuenta con profesionales especializados en diferentes disciplinas ligadas a lo tecnológico. Mecánica, ingeniería, robótica, biónica, arquitectura, interactividad, diseño y nuevos medios son los ejes que dan forma a las creaciones de esta plataforma que sabe cómo identificar las necesidades de un proyecto y brindar un gran abanico de soluciones, que están tanto a la medida de diversos clientes como de proyectos personales dedicados 100% al arte, haciendo que sueños de sorprendentes lenguajes futuros lleguen al plano de lo real.
Diseño de luz, sonido, interactividad y estructura han sido fundamentales en todos los trabajos que Peak Time Lab ha realizado, apuntando primordialmente a propiciar el encuentro con y entre las personas, generando situaciones en la que el público es un agente fundamental que completa las piezas gracias a su interacción con sensores de diferente tipo o con el uso de diversas interfaces. En este sentido, los trabajos de Peak Time Lab resultan medios con los cuales el público puede desarrollar sus propios juegos y significados.

 

Seminario 12 (Al lado del Museo del Templo Mayor)

Pop!

/*pac interactive (MX)

Instalación lumínica inmersiva / Arte interactivo

De 17:30 hs a 23:30 hs

POP! es una instalación lumínica ambiental formada por esferas luminosas suspendidas sobre una superficie, que juntas crean un techo de burbujas que envuelven y transforman el espacio en un ambiente vivo, radiante, que propicia la contemplación.

La iluminación y comportamiento de las esferas se ve complementado por el diseño sonoro co-producido con No Light, y recrea la sensación de pequeñas explosiones y delicados rompimientos armónicos contrastantes.

/*pac Interactive es un estudio mexicano de diseño interactivo y media art. Nace de la curiosidad, la experimentación y la inquietud por generar interacciones conscientes entre arte, diseño y tecnología.
El estudio está centrado en descubrir nuevas alternativas para impulsar la creación digital, así como explotar las posibilidades viables a partir del trabajo interdisciplinario; idear espacios, obras y objetos con el fin de crear expectativas y revolucionar nuevas formas y procesos de diseño, interacción y control.

 

 

Torre Reforma (Fachada)

Caminante (Hik+)

Tupac Martir (Satore Studio) (MX / UK)

Video mapping interactivo

(Pieza creada gracias al apoyo de Johnnie Walker)

De 17:30 hs a 23:30 hs

Poema digital con interacción en tiempo real con redes sociales.

Cuenta la historia de las dificultades (laberinto) y como la tenacidad del mexicano lo lleva a encontrar respuestas que lo conducirán a la salida.

La pieza fue creada utilizando Motion Capture, Cinema 4D, Coding, Notch, Maya, Houdini y After Effects. Para el motion capture de Caminante (Hik+) se grabó una coreografía del bailarín mexicano Isaac Hernandez.

La inspiración para este proyecto llega de una mezcla de personas, lugares, historia, innovación; pero principalmente de nuestro país y el talento que ha surgido de él, como una oda a la gente en México.

Nuestro país, y Ciudad de México en particular, es un maestro duro pero efectivo, uno que construye personas para que perseveren, luchen, sobrevivan y crezcan. Se podría argumentar que el camino que uno transita viviendo y experimentando el país puede ser descripto solamente como un laberinto.

Un laberinto es un espacio en el que nos encontramos como personas todo el tiempo. Mientras buscamos una salida pasamos por sufrimientos, nos sacrificamos, y lo más importante, transitamos las derrotas mediante las cuales aprendemos. El significado del laberinto es la lucha constante para encontrar formas de crear una solución para avanzar. Los laberintos nos recuerdan de dónde venimos y hacia dónde queremos ir.

La función del laberinto es proyectar y elevar a algunas personas de nuestro país con talento excepcional, pero lo más importante, cómo somos y que crecemos como nación, ayudando a los otros con nuestros talentos para volvernos un mejor país.

La pieza trata sobre reconocernos todos los mexicanos, aquellos que viven en México, pero también los que están en el exterior peleando todos los días para transformarse en mejores seres humanos, sumando cada onza de energía y sacrificio en una sociedad mejor, para crear un futuro mejor para ellos y sus familias.

La pieza plantea una combinación de arte digital, real time rendering, real capture de social media, motion capture y algoritmos, todo trabajando en conjunto para crear las imágenes que aparecen en el edificio. Utilizando varias técnicas de video mapping y algunos de los últimos softwares disponibles, la pieza da un vistazo a lo que ocurre cuando diferentes disciplinas se unen como una sola.

 

 

 

Nacido en 1977 en UK, de herencia mexicana, fue en Nebraska, Estados Unidos, donde Tupac obtuvo su BFA del Creighton University bajo la guía de John Thein y el fotógrafo de National Geographic Fr. Don Doll, SJ.
Tupac Martir es artista, diseñador visual, y director creativo con un portfolio variado de proyectos en escenas de las artes y el entretenimiento. Ha realizado diseño de producción, efectos visuales y dirección de iluminación para Elton John, Sting, Beyoncé, Coachella, New York Festival of Light, Nederland Dans Theater, Xu Bing at the V&A Museum, the Serpentine Gallery y the Old Vic Tunnels, por nombrar solo algunos a lo largo de los años. Su proyección en el British Museum en el Día de los Muertos, como parte del Año Dual entre México y UK en el 2015, fue vista en unas pocas horas por 100 mil personas. Tupac se ha convertido en sinónimo de realización en las escenas fashion de Londres Paris, Milan y New York. Su trabajo ha sido parte de shows durante el Fashion Week para las mayores casas de diseño, como Alexander McQueen, Stella McCartney, Vivienne Westwood, Matthew Williamson y Thomas Tait, entre otros.
Como artista ha exhibido en México, USA, Argentina, Cuba, Colombia y UK, además de participar oficialmente en el Festival de Cine de Morelia con su pieza multidisciplinaria “The Gentleman, The Mermaid, Mexican Cinema, Loteria”, creada originalmente para el British Council como parte de la Cultural Olimpyad durante Londres 2012. Actualmente está trabajando junto a Danny Boyle en un juego que será presentado en el Carnegie Hall de New York, mientras también desarrolla proyectos en VR, AR y Mixed Reality. Al mismo tiempo él está curando a LUX, festival de la Luz en Cartagena, que ocurrirá a comienzos del año próximo.
Su estudio ha sido designado como parte del equipo de diseño de la apertura 2018 de la exhibición de Frida Kahlo en el V&A Museum. El trabajo de Tupac ha sido comentado y expuesto en publicaciones importantes como Wallpaper* Magazine, Vogue, Rolling Stone, NME, Wall Street Journal, The Guardian, Live Design y LSI.

 

Cineteca Nacional (Cine al aire libre)

30.11.17 y 01.12.17

Videorama VAW / Exposición de video arte

Artistas nacionales e Internacionales

(Curado por Adrián Alva – Jellyfish Act)

De 18:30 hs a 21:30 hs

 Son varios los acercamientos de las artes, en este caso la visual, a los componentes más puros de la naturaleza y su observación como método de estudio y sensibilización.

La muestra de video de Comex Visual Art Week 2017 propone un paseo por la obra de varios artistas de distintas nacionalidades seleccionados bajo la premisa de ilustrar las diversas formas en las que las artes han sido inspiradas por la ciencia y la innovación.

Artistas

. Boris​ ​Labbé (Francia) / www.borislabbe.com

. Brett Foxwell (EEUU) / www.bfophoto.com

. Soul​ ​Engine (México) / www.ccgportfolio.com

. Eugene​ ​Kolb (Hungría) / http://eugenekolb.com

. Future​ ​Deluxe (UK) / http://futuredeluxe.co.uk

. Helen​ ​Plumb (UK) / http://helenplumb.co.uk

. Johan​ Rijpma (Paises Bajos) / http://www.johanrijpma.nl

. Jorge​ ​R:​ ​Canedo​ ​Estrada (Bolivia) / http://jrcanest.co

. Juan​ ​Osorio (Colombia) / www.juan-osorio.com/realidad

. Junki​ ​Yoshi (Japón) / http://junkiyoshi.com

. Koronis (Nueva Zelanda) / www.facebook.com/koronis.vi

. Kouhei​ ​Nakama (Japón) / http://kouheinakama.com

. Lorocrom​ ​-​ ​Oscar​ Lopez​ Rocha (México) / www.behance.net/lorocrom

. Marpi (Polonia) / http://marpi.pl

. Max​ ​Hattler (Alemania) / www.maxhattler.com

. Nic​ ​Hamilton (Australia) / http://nichamilton.info

. Ouchhh​ ​Studio (Turquía) / http://www.ouchhh.tv

. Ozgun​ ​Kilic (Turquía) / https://vimeo.com/ozgunkilic

. Porthe (Francia) / www.porthe.com

.Robert​ Seidel (Alemania) / www.robertseidel.com
. Sebastian​ ​Peschiera​ ​-​ ​Narduli​ ​Studio (EEUU) / http://www.nardulistudio.com

. Roman​ ​de​ ​Giuli (Alemania) / http://www.terracollage.com

. Simon​ ​F.A.​ ​Russell (UK) / http://simonfarussell.com

. Crickreel (Suiza) / www.crickreel.net

. Fragstein (Alemania) / http://8apr.de

. Can​ ​Büyükberber (Turquía) / http://canbuyukberber.com

 

www.visualartweek.mx

www.facebook.com/visualartweekMX

https://twitter.com/VAWmexico

www.instagram.com/vawmx

www.comex.com.mx

#ComexVAW #VAWCDMX

 

Deja un comentario

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *